"Raconter la vie avec des baguettes de soudure" – Artiste Yeaji Park

 

[Interview] Raconter la vie avec des baguettes de soudure – Artiste Yeaji Park

L’histoire au-delà du ‘cheval (horse)’ de Park Yeaji : l’histoire du ‘mot (language)’
par Shin Songhee, journaliste
26 février 2022, 16h09

Ses œuvres tridimensionnelles, de tailles diverses, ressemblent tantôt à une écorce rugueuse, tantôt à une tôle solide formée par l’érosion et la sédimentation, ou surprennent par leur épaisseur quand on s’en approche de près. Je me suis retrouvée, remplie de curiosité, à poser toutes sortes de questions à l’artiste présente sur place :

— « Avec quoi avez-vous fabriqué ceci, artiste ? »

— « Des baguettes de soudure. »

C’est ainsi que j’ai rencontré Yeaji Park pour la première fois, lors de son exposition personnelle ‘La vie que j’ai choisie’ organisée à la salle d’exposition Bukchon à Samcheong-dong, en novembre récent, tout à fait par hasard lors d’une promenade artistique. Découvrir que ces œuvres étaient modelées par la soudure m’a poussée à en examiner les textures et les formes originales encore plus attentivement. Plus je les regardais, plus elles devenaient fascinantes. Yeaji Park, très gentille ce jour-là, a expliqué le contexte de ses œuvres et même partagé une vidéo montrant la création par soudure. Cette rencontre m’a tant marquée que je l’ai racontée dans ma série de chroniques régulières « Promenade inopinée dans l’art » épisode 7.

C’est donc notre deuxième rencontre. Pour cette fois, j’ai rassemblé les questions que je n’avais pas eu le temps de poser la première fois.

Parmi tant de matériaux, pourquoi la soudure ? Vous souvenez-vous de votre première expérience ?

Un de mes amis tient un garage, et de temps en temps, un soudeur y venait. Je lui ai dit : « J’aimerais apprendre à souder. » C’est donc dans ce garage que j’ai fait mes débuts.

On utilise l’arc de soudage, c’est-à-dire une baguette de soudure reliée à un porte-électrode, qui, lui, est relié à une prise de terre. La surface à souder (en coréen : ‘모재’, c’est-à-dire la base métallique) reçoit aussi du courant, et lorsque le courant touche, un arc se produit, ce qui permet la soudure.

Le soudeur m’a alors tendu la baguette de soudure : « Essaie maintenant. » Il m’a même proposé d’essayer sur un vieux modèle de Jeep rare à trouver… Le fer, pour moi, c’était dur : je pensais qu’il resterait solide quoi qu’il arrive. Mais en un instant, tout a fondu et j’ai perdu mes repères. Cette sensation était si étrange. C’est là que je me suis rendue compte, même si le fer semble dur, je pourrais peut-être le contrôler. Si j’avais su d’avance ce qu’est la soudure, j’aurais accepté cela comme normal, mais parce que je n’en savais rien, l’étonnement a été plus grand.

C’est donc ce sentiment qui vous a touchée, n’est-ce pas ?

Oui, je me suis lancée parce que je me suis dit que je pourrais le maîtriser. Bien que la soudure détienne la signification de ‘joindre A et B’, pour moi, le fait même de souder est fascinant. J’aime que le métal fonde et prenne la forme que je souhaite.

(Au fil du récit, elle remonte à ses premiers jours avec la soudure.)

Au début, je ne savais pas bien manipuler la baguette : la forme était maladroite, comme lorsque l’on veut empiler la cire fondue verticalement, mais elle s’étale latéralement (note de traduction : image de la cire chaude qui coule). À ce moment-là, je pensais qu’il fallait remplir l’intérieur pour obtenir une forme tridimensionnelle. Il m’a fallu plus de cinq heures pour réaliser un cheval d’environ 20 cm. En travaillant du métal pendant ces cinq heures, j’ai pensé à la vie humaine. Dans les relations, une bonne parole réchauffe, et une mauvaise refroidit. Beaucoup de gens associent leur vie à leurs limites, c’est un peu comme le métal qui fond puis se solidifie à nouveau. J’ai ainsi vu un lien entre la soudure et la nature des relations humaines.

Depuis votre première exposition solo en 2017, quelles œuvres restent des tournants marquants ? Avez-vous une pièce incontournable que vous souhaitez garder ?

Ce qui me revient, c’est ma première œuvre. Lors de ma première exposition, beaucoup de mes œuvres ont été vendues, mais il y en avait une en particulier que je ne voulais pas vendre. C’était celle qui me plaisait le plus. Finalement, elle a fini chez un proche, mais j’y repense souvent. J’aimerais pouvoir la reprendre un jour… (rires)

Pourquoi y suis-je si attachée ? Elle me rappelle l’excitation des débuts. J’étais très attachée à cette œuvre.

J’ai lu que vous tirez votre inspiration de votre quotidien, de vos relations et de votre environnement. Pouvez-vous détailler ?

On me pose encore beaucoup de questions sur les relations humaines. Les notes de nombreux artistes de mon âge portent souvent ce thème. En fait, pour vraiment se connaître, il faudrait pouvoir rester isolé au point qu’on goûte la douceur sur la langue ; or, personne ne vit ainsi longtemps. C’est peut-être pourquoi, pour mieux se comprendre, on exprime davantage sa propre perspective et son regard. Progressivement, je trouve ma propre voie : au début, je me concentrais beaucoup sur la technique, maintenant, je cherche davantage à exprimer le mien.

Quels sont les commentaires ou questions les plus fréquents des visiteurs de vos expositions ?

Beaucoup de visiteurs ne savent pas que mes œuvres sont faites de métal. Beaucoup pensent que c’est de la fonte ou de la ferronnerie. Quand je leur explique que c’est entièrement accumulé par soudure, ils sont très surpris. Les œuvres en fil sont parfois perçues comme étant faites de cintres à vêtements ou de fil de fer. Certains familiarisés avec le métal passent en disant : « C’est quoi ce travail ? »

Quel est le sens de cette remarque ?

La forme obtenue par la soudure est plutôt maladroite, parfois, on ne peut pas dire si c’est une tasse ou un cheval, ni même affirmer sa grandeur – parfois elle semble fragile, prête à s’effondrer. Ce n’est pas conventionnel.

D’après vous, en quoi la soudure est-elle attirante en art ?

Je pensais qu’il fallait l’avoir expérimentée pour en saisir tout le charme. Mais ma réponse pourrait surprendre :

“En réalité, je veux que l’attrait de l’œuvre vienne plus encore de l’artiste lui-même que de la soudure.”

Être artiste, c’est un métier incroyablement séduisant »... Voici l’histoire de son passage du design à l’art.

La raison pour laquelle vous êtes passée de designer à artiste ?

Mon père était entrepreneur, ce qui m’a menée à poursuivre l’argent. Même au lycée et à l’université, j’étais poussée par le besoin de gagner ma vie. À l’école, je disais : “Je veux être designer d’espace.” À mes yeux, c’était l’élite du design. J’admirais Andrée Putman, une designer polyvalente que je considérais comme le summum et j’ai suivi cette voie.

Mais après avoir étudié et travaillé dans le design, je me suis rendue compte que mon tempérament correspondait moins à celui du designer – qui exécute jusqu’au bout ce qu’il pense juste – et plus à celui de l’artiste, qui revendique sa création personnelle. Finalement, mon professeur de lycée m’avait conseillée de devenir artiste lors de mes études en France, mais à l’époque, je ne l’ai pas écouté : “Artiste ? On meurt de faim ! Je serai designer d’espace.” J’avais alors choisi de poursuivre l’argent. Mais la mort de mon père m’a fait réaliser que l’argent n’est pas tout.

En rentrant en Corée, j’ai vécu différentes vies : un an en freelance, un an en entreprise, un an dans un centre équestre, un an à étudier la soudure, un an dans une école de soudure – j’ai changé chaque année.

Mes proches me demandaient toujours : “Et maintenant, tu fais quoi ?” Lorsque j’ai commencé à créer des œuvres, tous ont dit : “Tu as trouvé ta vocation.” Et effectivement, je continue à faire ce que j’aime, année après année.

Beaucoup d’étudiants ou de professionnels me demandent si la vie d’artiste n’est pas difficile. Paraît-il que de nombreux artistes ne recommandent pas cette carrière. Mais pour ma part, je la recommande vivement : c’est un métier qui permet de se connaître soi-même, et c’est précieux.

La mort de mon père m’a fait comprendre l’importance de se préparer à sa propre mort. On finit tous par mourir, ce n’est pas forcément quelque chose de mauvais, mais être capable de se dire “j’ai bien vécu” en fermant les yeux, c’est peut-être une vie d’artiste réussie. D’ailleurs, je pense que tout le monde est, à sa manière, un artiste vivant sa propre vie.

Le passage du design à l’art n’a pas été simple. En design, il y a des budgets, des exigences de clients : mon existence était effacée au profit des contraintes et de la demande. En tant qu’artiste, je travaille uniquement par ma propre volonté. Au début, sans aucun cadre, c’était difficile de travailler seule.

Un artiste mentor m’a alors conseillé :

— “Fais simplement ce que tu veux.” Et je l’ai fait.

Bien sûr, quand on a trop de liberté, on peut s’emporter. Il m’a donc dit :

— “Si tu viens à l’atelier à 8h du matin, tu peux faire ce que tu veux. Mais fixons des dates d’exposition.”

C’est ainsi que j’ai grandi : non pas en réfléchissant d’abord comme une artiste, mais en vivant comme telle, puis en développant cette pensée.

Vous semblez reconnaissante envers votre mentor.

Oui, vraiment. Il savait me faire un vrai commentaire : que ce soit positif ou sévère (“Qu’est-ce que c’est que ce travail ?”). À force de faire des expositions personnelles, il plaisantait : “Maintenant que tu as grandi, tu ne vas plus écouter mes conseils.” Mais je sollicitais toujours son avis : “Que pensez-vous de cette œuvre ?” Je lui suis toujours très reconnaissante, car ses paroles m’ont donné du courage et m’ont aidée à avancer.

“Regardez les choses telles qu’elles sont.”

L’histoire du cheval (animal) dans l’œuvre de Park Yeaji au-delà du jeu de mots (language).

Vos œuvres présentent souvent la forme du cheval. Pourquoi ?

En fin de compte, la forme de cheval est omniprésente dans mon travail. Je me suis même demandée pourquoi j’étais si attachée au cheval. Avec la crise du COVID, même si je pensais ne pas être affectée, je me suis trouvée un peu déprimée sans m’en rendre compte, à la recherche de connexion avec le monde. J’ai commencé à regarder les interviews de grands artistes sur YouTube. Ils disaient souvent : “Jeunes artistes, faites ce que vous voulez.” En entendant cela, j’ai compris que si je crée des chevaux, ce n’est pas pour un objectif précis – je le fais simplement parce que j’en ai envie.

À vrai dire, durant mes études en France, je n’avais pas toutes les clés pour comprendre la langue ou les expressions informelles, ce qui rendait la communication difficile. Ainsi, la langue (language) et le cheval (horse) sont devenus pour moi deux axes de travail, liés à la fois par la peur de ne pas pouvoir m’exprimer et par mon amour pour l’animal. À travers l’œuvre, je façonne donc mon propre langage.

En coréen, le mot « mal » signifie à la fois « cheval » (animal) et « langage » (parole). Dans mon travail, cette ambiguïté devient une clé pour explorer la relation entre l’expression, la communication et la forme vivante.

Parfois, les formes deviennent étranges : jambes ou cous allongés à tel point qu’on ne sait plus distinguer un cheval d’une girafe. Je préfère que l’on ne s’attache pas trop à la figure chevaline en elle-même, mais davantage au ressenti qu’elle procure.

Ce jeu entre le cheval, animal, et le langage, donne une nouvelle lecture à vos œuvres.

Oui. Plus on regarde, moins on pense à l’animal, plus on ressent l’atmosphère de la sculpture elle-même. Ceux qui suivent mon travail me disent souvent : “Il y a une certaine impression.”

Cette impression dépend-elle de votre état d’esprit lors de la création ?

Absolument. C’est inévitable : la main de l’artiste, le temps, le labeur, tout cela se ressent. De plus, le contexte actuel, comme la période du COVID, influence aussi mon travail. Cela vaut pour tous les artistes.

C’est pour cela qu’on dit souvent : “Regardez simplement les choses telles qu’elles sont.” C’est une manière d’inviter les gens à ressentir par eux-mêmes l’effet que pourrait procurer l’œuvre, car chacun a sa propre perspective et son ressenti.

Lorsque vous visitez des expositions, regardez-vous d’abord les œuvres ou le texte explicatif ?

J’entre sans lire le texte, je fais un tour, puis je le lis et je comprends l’intention. Parfois, je préfère ne rien lire et juste me laisser porter par ce que j’ai ressenti.

Comment abordez-vous les expositions d’autres artistes ?

Je ne vais généralement qu’aux expositions des artistes que j’aime, sinon je préfère les foires d’art – là où l’on peut tout voir en une fois. Ça me donne l’impression d’avoir tout en main, c’est une sensation d’abondance que j’aime.

“Nous faisons de l’art, là tout de suite.”

Le slogan de Art Insight est “La culture et l’art sont communication” car plus l’art communique, plus il devient divers et riche.

Alors, qu’est-ce que l’art, selon vous ? Quelle est la signification de l’art pour Yeaji Park ?

L’art enrichit la vie. Certains disent que l’on cherche l’art lorsqu’on a une vie prospère, mais pour moi, c’est l’inverse : il faut chercher l’art pour rendre la vie prospère. Regarder une peinture, imaginer, rêver, partager la tristesse et la joie – tout cela, c’est l’art à mes yeux. (note de traduction : elle inclut aussi la cuisine comme forme d’art)

Avez-vous un souvenir ou une expérience précise où l’art vous a enrichie ?

Il y a tant de moments où je me dis, “voilà, c’est de l’art !” 

Par exemple, dans les toilettes, regarder les motifs de marbre sur les carreaux me fait imaginer toutes sortes de choses, voir des visages étranges, et ce plaisir de découvrir quelque chose, je le partage avec d’autres.

(note de traduction : elle exprime que l’art est aussi le partage de la joie de la découverte)

Dans une exposition récente, j’ai vu une œuvre faite avec un dentifrice – rien d’autre, dans un grand espace. Cela me faisait penser à une personne. L’artiste raconte qu’un jour, en pressant un dentifrice sans résultat, elle a eu l’impression de voir sa mère dans le tube, et elle l’a retranscrit dans son œuvre.

(note de traduction : art comme pouvoir de transformer un instant ordinaire et en tirer une émotion partagée, souvent avec humour)

Quand on mange un plat délicieux et qu’on s’exclame, “c’est de l’art !”, c’est un vrai moment de guérison.

(note de traduction : l’art comme expérience de bien-être et de guérison)

Certains pleurent face à une œuvre – cela signifie que la connexion, la communication a eu lieu. (note de traduction : l’art comme lien vivant)

Je considère le fait de travailler comme une préparation à la mort. Parfois, j’ai envie de me comprendre plus rapidement, et travailler me rapproche même du sentiment de mort. Avant de commencer, j’avais souvent envie d’en finir, mais, par mon travail, j’ai appris que la vie n’est pas que souffrance et j’ai pu devenir reconnaissante envers l’existence. Se préparer à la mort est important et positif, à mon sens. En y réfléchissant, nous sommes en train de faire de l’art.

Projets futurs pour Yeaji Park en 2022 ?

Pas forcément cette année, mais dans un futur proche, j’aimerais exposer à l’étranger.

Vu que mes œuvres sont en volume, il me semble plus efficace de les réaliser directement sur place plutôt que de les transporter depuis la Corée.

Un mot à l’attention des amateurs d’art qui découvriront votre travail ?

Venez vous exprimer librement, dites ce que vous voulez. Vous pouvez ressentir quelque chose face à l’œuvre, ou rien du tout. Pour moi, l’exposition est avant tout un espace de dialogue, d’échange ; il n’y a pas de bonne ou de mauvaise manière de communiquer entre artiste et public.

Aujourd’hui, je trouve essentiel d’écouter ceux qui aiment mon travail, d’échanger et de partager, car je vis à la même époque que vous et j’ai à cœur d’entendre ce qui touche le plus chacun dans sa vie.

Enfin, comment voulez-vous que l’on se souvienne de vous, Yeaji Park ?

Je l’ai écrit sur les réseaux sociaux : j’aimerais être un arbre aux racines profondes, ou une vaste terre, capable de supporter tous les obstacles, solide et souple à la fois. On ne peut embrasser tout le monde, mais j’aimerais du moins tendre vers cela.

Cet entretien a été mené en face à face, dans le respect des règles sanitaires contre le COVID-19.

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(note de traduction :
Ce texte est une traduction adaptée pour le public français ; certaines explications ont été ajoutées pour faciliter la compréhension du contexte coréen et du parcours artistique de Yeaji Park.)

Source originale
Cet entretien a été publié en coréen sur Art Insight sous le titre « [Interview] 용접봉으로 삶을 이야기하는 박예지 작가 », écrit par Shin Songhee et mis en ligne le 26 février 2022.
(Lien : www.artinsight.co.kr/news/view.php?no=58566) Traduit par Yeaji PARK.